Алина 2018-06-09 14:05:00 биографии художников
Норман Роквелл родился в Нью-Йорке 3 февраля 1894 года. Талантливый художник в молодом возрасте 17-ти лет, получил свой первый заказ. В 1916 году он создал первую из 321 обложек для The Saturday Evening Post. Рисунки Rockwell's Americana были любимы публикой, но не поддержаны критиками. Он создал плакаты Второй Мировой Войны и за это получил президентскую медаль свободы в 1977 году. Умер 8 ноября 1978 года.
Родился Норман Персевел Роквелл в Нью-Йорке 3 февраля 1894 года, Норман Роквелл уже в возрасте 14 лет, понимал, что хочет стать художником, и начал учиться в Новой школе искусств. К 16 годам Роквелл был настолько намерен преследовать свою страсть, что бросил школу и поступил в Национальную академию дизайна. Позже он перешел в Лигу студентов, искусств Нью-Йорка. После окончания, Роквелл нашел работу в качестве иллюстратора для журнала «Boys's Life».
В 1916 году к 22-м годам Роквелл, женился в первый раз на Ирен О'Коннор, и нарисовал свою первую обложку для The Saturday Evening Post. Это было начало 47-летних отношений с культовым американским журналом. В целом, Роквелл нарисовал 321 обложки для это журнала. Некоторые из его самых знаковых обложек включали празднование в 1927 году пересечения Атлантики Чарльзом Линдбергом. Он также работал в других журналах, в том числе в «Look», который в 1969 году показал обложку Роквелла, изображающую отпечаток левой ноги Нила Армстронга на поверхности Луны после успешной посадки. В 1920 году "Бойскауты Америки" показали Роквелла в своем календаре. Роквелл продолжал рисовать для бойскаутов всю оставшуюся жизнь.
В 1930-х и 40-х годах оказался самым плодотворным периодом для Роквелла. В 1930 году он женился на Мэри Барстоу, школьной учительнице, и у них родилось три сына: Джарвис, Томас и Питер. Роквелл переехал в Арлингтон, штат Вермонт, в 1939 году, и новый мир, который приветствовал Нормана, предложил идеальный материал для художника. Успех Роквелла в значительной степени был обусловлен его вниманием к повседневным американским сценам, теплоте жизни маленького городка в частности. Часто, к тому, что он изображал, относились как к чему-то простому обаятельному и смешному. Некоторые критики обвинили его в том что, он не имел реальных художественных достоинств, но причины Роквелла для рисования, были основаны на мире, который окружал его. «Возможно, когда я вырос и обнаружил, что мир не был идеальным местом, как я думал до этого, я подссознательно решил, раз этот мир не идеальный , то буду рисовать только идеальные аспекты этого мира", - сказал он однажды.
Все-таки, Роквелл не полностью игнорировал проблемы дня. В 1943 году, вдохновленный президентом Франклином Рузвельтом, он написал четыре свободы: свободу слова, свободу вероисповедания, свободу от нужды и свободу от страха. Картины появились на обложке журнала и оказались невероятно популярными. Эти картины гастролировали по Соединенным Штатам и принесли свыше 130 миллионов долларов переданные для нужд войны. В 1953 году Роквелл перебрался в Стокбридж, штат Массачусетс, где Норман провел остаток своей жизни.
После смерти Мэри в 1959 году, Роквелл женился в третий раз, на Молли Пандерсон, учительнице вышедшей на пенсию. С поощрения Молли Роквелл закончил свои отношения с Сэтердей Ивнинг Пост и начал делать обложки для Look. Его мнение также изменилось, поскольку он обращал больше внимания на социальные проблемы, стоящие перед страной. Большая часть работы была сосредоточена на темах, касающихся нищеты, расизма и войны во Вьетнаме.
В последнее десятилетие своей жизни, работа Роквелла гарантировала, что его творческое наследие будет процветать еще долго после его кончины. Его работа стала основой того, что сейчас называется музей Нормана Роквелла в Стокбридже. В 1977 году, за год до его смерти, Роквелл был награжден президентской медалью свободы Президента Джеральда Форда. В своем выступлении Форд сказал: «Художник, иллюстратор и автор, Норман Роквелл изобразил американскую жизнь с непревзойденной свежестью и ясностью. Проницательность, оптимизм и хороший юмор - отличительные черты его художественного стиля. Его яркие и ласковые портреты нашей страны и сами стали любимой частью американской традиции». Норман Роквелл умер в своем доме в городе Стокбридж, штат Массачусетс, 8 ноября 1978 года.
Алина 2018-06-08 14:05:00 биографии художников
Живописец, скульптор, архитектор и поэт Микеланджело ди Лодовико Буонарроти Симони (6 марта 1475 - 18 февраля 1564) является одним из самых знаменитых художников итальянского Возрождения, в том числе "Давид" и "Пьета", а также потолочные картины Сикстинской капеллы в Риме, в том числе «Страшный суд». Родился в семье среднего достатка, Микеланджело стал учеником художника, а затем изучал скульптуры в саду могущественной семьи Медичи. Затем он сделал замечательную карьеру как художник, признанный еще при жизни за его художественную виртуозность. Хотя он всегда считал себя Флорентийцем, Микеланджело прожил большую часть своей жизни в Риме, где он умер в возрасте 88 лет.
Вскоре после переезда Микеланджело в Рим в 1498 году, кардинал Jean Bilhères de Lagraulas, представитель французского короля Карла VIII к папе, заказал "Пьету," скульптуру Марии, держащей мертвого Иисуса на коленях. Микеланджело, которому было всего 25 лет, закончил свою работу меньше чем за один год, и статуя была воздвигнута в храме гроба кардинала. В 6 футов шириной и почти такой же высоты, статуя была перемещена пять раз, пока не оказалась на своем нынешнем месте Базилике Святого Петра в Ватикане.
Эта статуя вырезанная из цельного куска Каррарского мрамора, у нее идеально все - текучесть ткани, позиция субъектов, и «движение» кожи Пьеты - значит «жалость» или «сострадание» - создало страх перед его ранними зрителями. Это единственная работа, на которой высечено имя Микеланджело: «Легенда гласит, что он слышал, как паломники приписывают работу другому скульптору, поэтому он смело вырезал свою подпись на орденской ленте на груди Марии. Сегодня «Пьета» остается невероятно почитаемой работой.
Между 1501 и 1504 годами, Микеланджело взял заказ на статую "Давида", ранее два скульптора пытались создать его и бросили, а он превратил 17-футовый кусок мрамора в доминирующую фигуру. Сила сухожилий статуи, уязвимость его наготы, человечность выражения лица и общая храбрость сделали «Давида» ценным представителем города Флоренции. Первоначально она была заказанна для кафедрального собора Флоренции, но флорентийское правительство вместо этого установило статую перед Палаццо Векко. Он сейчас установлен во Флоренции в галерее Академии.
Папа Юлий II пригласил Микеланджело перейти от скульптуры к живописи, чтобы украсить потолок Сикстинской капеллы, которую художник показал 31 октября 1512 г. Проект разжег воображение Микеланджело, и первоначальный план из 12 апостолов превратился в более чем 300 фигур на потолке священного пространства. (Позже эту работу полностью удалили из-за инфекционного грибка в штукатурке, затем фреска была восстановлена). Микеланджело уволил всех своих помощников, которых он считал неумехами, он работал на 65-метровом потолке, тратя бесконечные часы, рисуя лежа на спине и ревниво охраняя проект до завершения.
Получившийся шедевр является запредельным образцом высокого искусства эпохи Возрождения, включая христианские символы, пророчества и гуманистические принципы, которыми Микеланджело был поглощен во время молодости. Яркие виньетки на потолке Сикстинской капелы Микеланджело, производят эффект калейдоскопа, самым знаковым изображением является "Сотворение Адама" - изображения Бога прикасающегося к пальцу человека. Соперник римского живописца Рафаэля, очевидно, изменил свой стиль после того, как увидел его работу.
Микеланджело обнародовал парящий «Страшный суд» на дальней стене Сикстинскаой капеллы в 1541 году. Это вызвало протест, когда перед зрителями предстали обнаженные фигуры, которые, по их мнению, были неприемлемы для столь святого места, они требовали уничтожения самой большой фрески эпохи Возрождения. Художник ответил, вставив в работу новые изображения: его главный критик, дьявол и сам Святой Варфоломей.
Хотя Микеланджело продолжал лепить и рисовать всю свою жизнь, следуя физической строгости Сикстинской капеллы, он обратил свое внимание на архитектуру. Он продолжал работу над гробницей Юлия II, которую папа прервал своим заказом на Сикстинскую Капеллу, в ближайшие несколько десятилетий. Микеланджело спроектировал часовню Медичи и Лаврентьевскую Библиотеку, которая расположена напротив Базилики Сан-Лоренцо во Флоренции - для размещения коллекции книг Медичи. Эти здания считаются поворотным моментом в истории архитектуры. Но венчающая слава Микеланджело в этой области пришла, когда он был назначен главным архитектором Базилики Святого Петра в 1546 году.
Микеланджело родился 6 марта 1475 года в Капрезе, Италия, вторым из пяти сыновей.
Когда Микеланджело родился его отец, Леонардо Ди Буонаротта Симони, служил судьей в небольшом городке Капрезе. Семья вернулась во Флоренцию, когда Микеланджело был еще младенцем. Его мать, Франческа Нери, была больна, так что Микеланджело был отдан в семью каменетеса, он позже шутил, "и молот и зубила, которыми я делаю свои статуи, я извлёк из молока моей кормилицы".
По мнению его ранних биографов (Вазари, Кондиви и Varchi), Микеланджело больше нравилось смотреть как маляры рисуют в близлежащих церквях, чем учиться наукам. Возможно, его школьный друг, Франческо Граначчи, который на шесть лет старше, познакомил Микеланджело с художником Доменико Гирландайо. Отец Микеланджело понял, что его сын не имел никакого интереса к финансовым делам семьи , поэтому он согласился на его ученичество, в возрасте 13 лет, в мастерской модного флорентийского художника. Там, Микеланджело был обучен технике фрески.
В 1489 -1492 годах, Микеланджело, изучал античную скульптуру в дворцовом саду флорентийского правителя Лоренцо Великолепного из могущественной семьи Медичи. После всего лишь одного года работы в мастерской своего наставника Гирландайо, Микеланджело предоставили, эту уникальную возможность по рекомендации учителя. Это было благодатное время для Микеланджело, он вместе с семьей получил доступ к социальной элите Флоренции, что позволило ему учиться у уважаемого скульптора Бертольдо ди Джованни и познакомиться с видными поэтами, учеными и учеными-гуманистам. Он также получил специальное разрешение от Католической Церкви на исследование трупов для понимания анатомии, хотя воздействие трупных ядов негативно сказалось на его здоровье.
Сочетание всего этого заложило основу для того, что бы стать узнаваемым стилем Микеланджело: мышечный точности и реальности в сочетании с почти лирической красотой. Две рельефные скульптуры, которые сохранились до наших дней, «Битва кентавров» и «Мадонна, сидящая на ступеньке», являются свидетельствами его уникального таланта в нежном возрасте 16 лет.
Политическая борьба после смерти Лоренцо Великолепного, привела Микеланджело к бегству в Болонью, где он продолжил учебу. Он вернулся во Флоренцию в 1495 году, чтобы начать работу как скульптор, моделируя свой стиль после шедевров классической древности.
Существует несколько версий интригующих историй о скульптуре Микеланджело "Амур" , которая была искусственно "состарена" и стала напоминать редкие антикварные статуи: одна версия утверждает, что Микеланджело намеренно предал возраст статуе для достижения определенной патины, другая версия утверждает, что его арт-дилер состарил скульптуру, чтобы попытаться выдать ее за антиквариат.
Кардинал Риарио Сан-Джорджо купил "Амура", считая ее таковой, и требовал вернуть ему деньги, когда обнаружил, что был обманут. Странно, в конце концов, Риарио был настолько впечатлен работой Микеланджело, что он позволил художнику сохранить деньги. Кардинал даже пригласил художника в Рим, где Микеланджело будет жить и работать всю оставшуюся жизнь .
Хотя Микеланджело отличался блестящим умом и обильными талантами, связями и покровительством богатых и влиятельных людей Италии, он все-таки имел свою долю недоброжелателей. Микеланджело был спорной личностью и обладал вспыльчивым характером, что привело к раздору в отношениях, с начальством. Это не только вызывало у Микеланджело неприятности, но и создавало повсеместное недовольство художника, который постоянно стремился к совершенству, но не мог пойти на компромисс.
Он иногда впадал в приступы меланхолии, которые были зафиксированы во многих его литературных произведениях: "Я здесь в большой скорби и с большим физическим напряжением, и у меня нет друзей, и я не хочу их, и у меня нет времени, чтобы есть столько, сколько мне нужно, моя радость и моя печаль, мой покой - это эти неудобства », - писал он однажды.
В юности Микеланджело издевался над одним учеником и получил удар в нос, который обезобразил его на всю жизнь.На протяжении многих лет он страдал от недугов, связанных с его работой. В одном из своих стихотворений он зафиксировал огромное физическое напряжение, которое он перенес, покрасив потолок Сикстинской капеллы. Политическая борьба в его любимой Флоренции также грызла его, но его самая известная вражда была с другим флорентийским художником Леонардо да Винчи, который был старше его на 20 лет.
Поэтический импульс Микеланджело, который был выражен в его скульптурах, картинах и архитектуре, начал обретать литературную форму в последующие годы.
Хотя он никогда не был женат, Микеланджело посвятил стихи благочестивой и благородной вдове по имени Виттория Колонна, тема и адресат многих, более чем 300 его стихотворений и сонетов. Их дружба оставалась прекрасным утешением для Микеланджело до смерти Колонны в 1547 году. В 1532 году Микеланджело развил привязанность к молодому дворянину Томмазо де Кавальери (ученые спорят, были ли эти отношения гомосексуальными или отцовскими ).
Микеланджело скончался 18 февраля 1564 года — всего за несколько недель до своего 89-летия — в своем доме в Макеле-де-Корви в Риме после короткой болезни. Племянник перенес его тело обратно во Флоренцию, где Микеланджело почитался как "отец и повелитель всех искусств". Он был похоронен в Базилике ди Санта-Кроче — избранному им самим местом захоронения.
В отличие от многих художников, Микеланджело добился славы и богатства в течение своей жизни. Он также имел своеобразное развлечение в жизни, он прочел две свои биографии о его жизни, написанные Джорджо Вазари и Асканио Кондиви. Признаность художественного мастерства Микеланджело выдержана веками, и его имя стало синонимом итальянского Возрождения.
.
Алина 2018-06-07 14:05:00 биографии художников
Художник Джексон Поллок родился 28 января 1912 года в городе Коди, штат Вайоминг, учился у Томаса Харта Бентона перед тем как оставить традиционные методы для изучения абстракции, экспрессионизма, которые предусматривали выливания красок и других материалов непосредственно на холсты. Он умер при вождении в нетрезвом виде и врезался в дерево в Нью-Йорке в 1956 году, в возрасте 44 лет.
Пол Джексон Поллок родился 28 января 1912 года в городе Коди, штат Вайоминг. Его отец, Лерой Поллок, был фермером и государственным землемером, а его мать Стелла Май МакКлюр была ожесточенной женщиной с художественными амбициями. Как самый младший из пяти братьев, он нуждался в ласке и часто искал внимания, которого не получал.
В юности семья Поллока переезжает на Запад, в Аризону. Когда Поллоку было 8 лет, его алкоголик отец, бросил семью, и старший брат Чарльз, стал ему как отец. Чарльз был художником, и считался лучшим в семье. Он оказал значительное влияние на будущие амбиции своего младшего брата. В то время как семья жила в Лос-Анджелесе, Поллок поступил в Высшую школу искусств, где обнаружил свою страсть к искусству. Он был дважды изгнан, прежде чем ушел из школы и занялся своей собственной творческой деятельностью.
В 1930 году, в возрасте 18 лет, Поллок переезжает в Нью-Йорк, живет со своим братом, Чарльзом. Вскоре он начал заниматься с учителем искусства Чарльза, регионалистским художником Томасом Хартом Бентоном, в Лиге студентов искусств. Поллок провел большую часть своего времени с Бентоном, часто присматривая за младшим сыном Бентона, и Бентоны в конце концов стали считаь его членом своей семьи, которой у Поллока никогда до этого не было.
Во время депрессии президент Франклин Д. Рузвельт начал программу под названием «Проект общественных работ искусства», один из многих который был призван ускорить экономику. Поллок и его брат Сэнфорд, известный как Санде, начали работать с панно отдела PWA. Программа PWA привели к тысячам произведений искусства Поллока и современников, таких как Хосе Клементе Ороско, Виллем де Кунинг и Марк Ротко.
Но несмотря на занятость работой, Поллок не мог перестать пить. В 1937 году он лечился от алкоголизма у юнгианского аналитика, которые подпитывали его интерес к символике и искусству коренных американцев. В 1939 году Поллок открыл выставку Пабло Пикассо в Музее современного искусства. Художественное экспериментирование Пикассо побудило Поллока оттолкнуть границы своей собственной работы.
В 1941 году (некоторые источники говорят 1942), Поллок познакомился с Ли Краснер, еврейской современной художницей на вечеринке. Она позже посетила Поллока в его мастерской и была поражена его искусством. Вскоре у них начались романтические отношения.
Примерно в это время Пегги Гуггенхайм стала проявлять интерес к живописи Поллока. Во время встречи с художником Питом Норман, она увидела несколько картин Поллока, лежащих на полу и отметила, что искусство Поллока, возможно, является самым оригинальным американским искусством, которое она видела . Гуггенхайм немедленно заключила контракт с Поллоком.
Краснер и Поллок женятся в октябре 1945 года, и с помощью кредита от Гуггенхайма, покупают дом в Спрингс в Ист-Хэмптоне, на Лонг-Айленде. Гуггенхайм дала Поллоку стипендию для работы, и Краснер посвятила свое время, чтобы помогать продвигать и управлять его произведениями. Поллок был рад снова оказаться в стране, в окружении природы, которая имела существенное влияние на его проекты. Он был воодушевлен своим новым окружением и его поддерживала жена. В 1946 г. он превратил сарай в частную мастерскую, где он продолжал развивать свою "капельную" технику, краска буквально стекала с его инструмента на полотна, которые он обычно клал на пол.
В 1947 году Поллок оставил Гуггенхайм и обратился к Бетти Парсонс, которая не могла выплачивать ему стипендию, но продавала его произведения.
Самые известные картины были сделаны в этот «капельный период» между 1947 и 1950 годами. Он стал дико популярным после того, как 8 августа 1949 года был напечатан в журнале Life. В статье спросили Поллока: «Является ли он самым большим живым художником в Соединенных Штатах?» Эта статья изменила жизнь Поллока за одну ночь. Многие другие художники возмущались его славой, и некоторые из его друзей внезапно стали конкурентами. По мере того как его слава росла, некоторые критики начали называть Поллока мошенником, подвергая сомнению даже его собственную работу. В течение этого времени он часто обращался к Краснеру, чтобы определить, какие картины были хорошими.
В 1949 году картины Поллока показывают в галерее Бэтти Парсонс и все они были распроданы, он вдруг стал самым высокооплачиваемым авангардным художником в Америки. Но слава не была на пользу Поллоку, который, в результате, стал пренебрежительно относится к другим художникам, даже к его бывшему учителю и наставнику, Томасу Харту Бентону. Кроме того, акты саморекламы делали его фальшивым, и иногда, когда он давал интервью его ответы были написаны сценарием. Когда Ганс Намут, документальный фотограф, начал снимать фильм про Поллока, он посчитал невозможным сниматься на камеру. Вместо этого он вернулся к выпивке.
Картины Поллока в 1950 году в галерее Парсонса не продавались, хотя многие картины, такие как его "Номер 4" 1950 года, сегодня считаются шедеврами. Именно в это время Поллок начал рассматривать символические заголовки в заблуждении и вместо этого начал использовать числа и даты для каждой выполненной им работы. Искусство Поллока также стало темнее по цвету. Он отказался от "капельного метода", и начал красить черным и белым, и это оказалось безуспешным. Депрессивный подавленный и преследуемый, Поллок часто встречал своих друзей в близлежащем баре Cedar, выпивая до его закрытия и попадая в жестокие драки.
Обеспокоенная состоянием Поллока, Краснер позвала на помощь мать Поллока. Ее присутствие помогло улучшить состояние Поллока, и он снова начал рисовать. В этот период он закончил свой шедевр «The Deep». Но по мере того, как спрос со стороны коллекционеров на искусство Поллока рос, так же ощущалось давление, и с ним его алкоголизм.
Преодолевая трудности Поллока, Краснер тоже была не в состоянии работать. Их брак стал проблемным, а здоровье Поллока ухудшилось. Он начал встречаться с другими женщинами. К 1956 году он бросил живопись, и его брак был обречен. Краснер нехотя отправилась в Париж, чтобы дать Поллоку развод.
Сразу после 10 часов вечера 11 августа 1956 года, Поллок, в нетрезвом состоянии, врезался в дерево на своей машине меньше чем в миле от своего дома. Рут Клигман, его подруга в то время, была выброшена из автомобиля и выжила. Еще один пассажир, Эдит Метцгер, погиб, и Поллок был отброшен на 50 метров в березу. Он сразу же умер.
Краснер вернулась из Франции, чтобы похоронить Поллока, и впоследствии впала в траур, который будет длиться всю ее оставшуюся жизнь. Сохраняя свое творчество и производительность, Краснер жила и писала еще 20 лет. Она также занималась продажей картин Поллока, тщательно распределив их по музеям. До своей смерти Краснер создала Фонд Поллока-Краснера, который дает гранты молодым, перспективным художникам. Когда Краснер скончалась 19 июня 1984 года, их поместье стоило 20 миллионов долларов.
В декабре 1956 года, через год после смерти Поллока была дана ретроспективная выставка Мемориал в Музее современного искусства в Нью-Йорке, а затем еще в 1967 году. Его работы по-прежнему будут чествовать масштабно, с частыми выставки как в MoMA в Нью-Йорке, так и в галерее Тейт в Лондоне. Он остается одним из самых влиятельных художников 20-го века.
Алина 2018-06-06 14:05:00 биографии художников
Рафаэль Санти родился 6 апреля 1483 г. в Урбино, Италия. Он стал учеником Перуджино в 1504 году. Живя во Флоренции с 1504 по 1507 года, он начал рисовать серию "Мадонн". В Риме с 1509 по 1511 год он написал фрески Stanza della Segnatura («Комната знака»), расположенные во Дворце Ватикана. Позже он написал еще один цикл фресок в Ватикане, в Stanza d'Eliodoro ("Комната Гелиодора"). В 1514 году папа Юлий II нанял Рафаэля, своим главным архитектором. Примерно в это же время он завершил свою последнюю работу из серии "Мадонны," картину маслом Сикстинская Мадонна. Рафаэль умер в Риме 6 апреля 1520 г.
Итальянский художник- живописец эпохи ренессанса и архитектор эпохи Возрождения Рафаэль родился как Рафаэлло Санцио 6 апреля 1483 года в Урбино, Италия. В то время, Урбино был культурный центр, который поощрял искусство. Отец Рафаэля, Джованни Санти, был художником герцога Урбино Федериго да Монтефельтро. Джованни учил молодого Рафаэля основным техникам живописи и раскрывал ему принципы гуманистической философии на суде герцога Урбино.
В 1494 году, когда Рафаэлю было 11 лет, Джованни умер. После этого Рафаэлю предстояла сложная задача - управление мастерской отца. Рафаель добился успеха в этой роли и быстро превзошел своего отца, он вскоре был признан одним из лучших художников в городе. В качестве подростка ему даже поручили рисовать церковь Сан-Никола в соседнем городе Кастелло.
В 1500 году мастер-художник по имени Пьетро Вануччи, иначе известный как Перуджино, предложил стать Рафаэлю его учеником в Перуджа, регион Умбрия в центральной Италии. В Перудже, Перуджино работал над фресками в Collegio del Cambia. Срок обучения длился четыре года, что дало Рафаэлю возможность получить как знания, так и практический опыт. В течение этого периода, Рафаэль разработал свой собственный уникальный стиль живописи, представленый в религиозных произведениях «Монд-распятие» (около 1502 г.), «Три грации»(около 1503 г.), «Рыцарская мечта» (1504 г.) и Oddi altarpiece, «Брак Девы» была завершена в 1504 году.
В 1504 году Рафаэль закончил свое ученичество у Перуджино и переехал во Флоренцию, где на него сильно повлияли работы итальянских художников Фра Бартоломео, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Мазаччо. Для Рафаэля они были инновационными художниками, которые достигли совершенно нового уровня глубины в своем творчестве. Внимательно изучая детали их работ, Рафаэлю удалось разработать еще более сложный и выразительный личный стиль, что было заметно в его ранних картинах.
С 1504 по 1507 гг., Рафаэль выпустил серию "Мадонн", которые экстраполируются на работы Леонардо да Винчи. Эксперименты Рафаэля с этой темой завершились в 1507 году его картиной "La belle jardinière". В том же году Рафаэль создал свою самую амбициозную работу во Флоренции, Entombment, которая вызывала воспоминания о тех идеях, которые недавно Микеланджело выразил в своей Battle of Cascina.
Рафаэль переехал в Рим в 1508 году, чтобы нарисовать в Ватикане "Stanze" ("Комната"), под покровительством папы Юлия II. С 1509 по 1511 гг., Рафаэль трудился над тем, что должно было стать одними из самых высоко оцененных фресок в итальянском Высоком Ренессансе, расположенных в Ватиканской «Vatican's Stanza della Segnatura» («Комната знака»). Серия фресок Stanza della Segnatura включает Triumph of Religion и The School of Athens. В цикле фресок, Рафаэль выразил идеи гуманистической философии, которые он впитал в суде Урбино в детстве.
В ближайшие годы, Рафаэль изобразил дополнительный цикл фресок в Ватикане, расположенном в Stanza d'Eliodoro ("Комната Илиодор"), «Изгнание Гелиодора», «Чудо Больсены», «The Repulse of Attila from Rome» и Освобождение Святого Петра. В это же время, амбициозный художник произвел успешную серию картин "Мадонна" в собственной художественной студии. Среди них была знаменитая Madonna of the Chair и Сикстинская Мадонна
В 1514 году Рафаэль получил известность за свою работу в Ватикане и смог нанять команду помощников, которые помогли ему закончить роспись фрески в Stanza dell’Incendio, освобождая его, для работы в других проектах. А Рафаэль продолжал принимать заказы на картины, в том числе и на портреты папы Юлия II и Льва X - его самую большую картину на холсте Преображение»(по заказу в 1517 году), он к этому времени начал работу над архитектурой. После того, как архитектор Донато Браманте умер в 1514 году папа нанял Рафаэля, своим главным архитектором. Под это назначение, Рафаэль создал проект часовни в Сант-Элихио-дельи Орефичи. Он также разработал часовню Санта-Мария-дель-Поло в Риме и район в новой базилике Святого Петра.
Архитектурные произведения Рафаэля не ограничиваются религиозными зданиями. Его талант также распространяется на проектирование дворцов. Архитектурный стиль Рафаэля, чтил классические чувства его предшественника Донато Браманте и использовал декоративные детали. Такие детали, определили архитектурный стиль позднего Ренессанса и раннего барокко.
6 апреля 1520 года, на 37-й день рождения, Рафаэль умер внезапно при таинственных обстоятельствах в Риме, Италия. Он работал над своей крупнейшей картиной на холсте «Преображение» (сдана в 1517 году) во время его смерти. Когда в Ватикане состоялась его похоронная месса, незавершенное Преображение Рафаэля было помещено на его гробницу. Тело Рафаэля было погребено в Пантеоне в Риме, Италия.
После его смерти движение Рафаэля в сторону маньеризма повлияло на живописные стили в наступающем периоде барокко в Италии. Относясь к сбалансированным и гармоничным композициям своих «Мадонн», портретов, фресок и архитектуры, Рафаэль по-прежнему широко считается ведущей художественной фигурой итальянского классицизма высокого ренессанса.
Алина 2018-06-05 14:05:00 биографии художников
Художник Жорж Сера родился 2 декабря 1859 года в Париже, Франция. После обучения в школе изящных искусств, он ушел от традиций в живописи. Подавая свою технику за пределами импрессионизма, он рисовал маленькими мазками чистых цветов, которые сливаются в единую картину при взгляде издалека. Этим методом, называемым Пуантилизмом, написаны в основном произведения 1880-х годов, одна из них "Воскресенье на Гранд-Жатт". Карьера Сера была прервана, когда он умер от болезни 29 марта 1891 года в Париже.
Жорж Пьер Сера родился 2 декабря 1859 года в Париже, Франция. Его отец, Антуан-Златоуст Сера, был таможенным чиновником и часто находился вдали от дома. Сера и его брат, Эмиль, и сестра, Мари-Берта, были воспитаны главным образом их матерью Эрнестин (Февра) Сера, в Париже.
Сера получил свои первые уроки живописи от дяди. Он начал свое формальное художественное образование в 1875 году, когда он начал посещать местную школу искусств и учился у скульптора Джастин Лекуен.
С 1878 по 1879 год, Жорж Сера был зачислен в знаменитую школу изящных искусств в Париже, где он он проходил обучение под руководством художника Анри Леманна. Однако, не принимая строгих научных методов школы, он ушел и продолжал учиться самостоятельно. Он восхищался новизной масштабной картины Пюви де Шаванна, и в апреле 1879 года, он посетил четвертую выставку импрессионистов и увидел радикально новые работы художников импрессионистов Клода Моне и Камиля Писсарро. Способы импрессионистов в передаче света и атмосферы повлияли на собственное представление Сера о живописи .
Сера также был заинтересован наукой стоящей за искусством, и он много читал о восприятии, цветовой теории и психологической силе линии и формы. Две книги, которые повлияли на его развитие как художника были: «Принципы гармонии и контраста цветов», написанные химиком Мишелем Эжен Чевреуль, и «Эссе о безошибочных знаках искусства», художника-писателя Гумберта де Супервилль.
Впервые в 1883 году Сера выставил рисунок в ежегодном Салоне, это крупнейшая выставка, спонсируемая государством. Однако, когда он был отвергнут Салоном в следующем году, он вместе с другими художниками писал для независимых, более прогрессивных выставок.
В середине 1880-х годов, Сера разработал стиль живописи, который стали называть Дивизиум или Пуантилизм. Вместо того, чтобы смешивать цвета на своей палитре, он наносил на холст крошечные штрихи или «точки» чистого цвета. Когда он размещал цвета бок о бок, они сливались при взгляде издалека, выпуская светящиеся, переливающиеся цветовые эффекты через "оптическое смешение".
Сера продолжал работу импрессионистов, не только благодаря своим экспериментам с техникой, но и благодаря его интересу к повседневной тематике. Он и его коллеги часто черпали вдохновение с улиц города, с его кабаре и ночных клубов, парков и пейзажей парижских предместий.
Первой крупной работой Сера была "Купальщики в Аньере", датированая 1884 годом, на масштабном полотне показаны сцены отдыха батраков возле реки в пригороде Парижа. За "Купальщиками", последовало: "Воскресенье на Гранд-Жатт" (1884-86), еще одна большая работа, изображающая средний класс парижан, прогуливающихся и отдыхающих в парке на острове реки Сена. (Эта картина впервые была выставлена на восьмой выставке импрессионистов в 1886 году.) В обоих произведениях, Сера пытался дать современным персонажам чувство значимости и долговечности за счет упрощения их формы и ограничения деталей, в то же время, сохранил сцены живыми и привлекательными.
Сера рисовал женские предметы в "Модели" 1887-88 гг. и "Пудрящаяся девушка" в 1888-89 гг. В конце 1880-х годов он создал несколько сцен цирка и ночных клубов, включая "Парад" (1887-88 гг.), "Канкан" (1889-90 гг.) и "Цирк" (1890-91 гг.). Он также написал ряд морских пейзажей на побережье Нормандии, а также мастерски нарисовал ряд черно-белых рисунков цветными мелками Конте (смесь парафина и графита или угля).
Сера умер 29 марта 1891 года в Париже, после непродолжительной болезни, скорее всего от пневмонии или менингита. Он был похоронен на кладбище Пер-Лашез в Париже. У него остались гражданская жена, Мадлен Кноблох и сын, Пьер-Жорж Сера, который также умер через месяц.
Картины и художественные теории Сера оказали влияние на многих его современников, от Поля Синьяка, Винсента Ван Гога и до художников-символистов. Его монументальная картина "Воскресенье на Гранд-Жатт," сейчас находится в художественном Институте Чикаго и является знаковым произведением конца 19 века. Эта картина, и карьера Сера, вдохновила Стивена Сондхейма написать музыкальное произведение "Воскресенье в парке с Джорджем" (1984 г.). Работа также представлена в фильме Джона Хьюза «Феррис Буллер» (1986 г.).
Алина 2018-06-04 14:05:00 биографии художников
Пабло Пикассо (25 октября 1881 по 8 апреля 1973) - испанский эмигрант художник, скульптор, гравер, керамист и художник-постановщик является одним из величайших и самых влиятельных художников 20-го века и вместе с Жоржем Брако соавтором Кубизма. Творчество Пикасо по-прежнему принято считать радикальным и оно по-прежнему пользуется почтением за его техническое мастерство, фантазии и глубокое сопереживание. Вместе эти качества отличали «беспокойного» испанца с «мрачными» глазами, как революционного художника. Почти 80 из его 91 лет жизни Пикассо посвятил себя художественным произведениям, которые, по его суеверному мнению, сохраняли его жизнь, внося значительный вклад в развитие всего современного искусства в 20-м веке.
Пабло Пикассо остается известным благодаря бесконечному переосмыслению себя, переключаясь между стилями, настолько радикально отличающимися друг от друга, что его работа в течении жизни кажется результатом пяти или шести великих художников, а не только одного. Из-за его склонности к разнообразию стиля Пикассо настаивал, что его разнообразная деятельность, не свидетельствует о радикальных сдвигах на протяжении всей своей карьеры, но, скорее, это его стремление к объективной оценке каждой части формы и техники, наиболее подходящих для достижения желаемого эффекта. «Всякий раз, когда я хотел что-то сказать, я сказал это так, как я полагал, что должен», - объяснил он. "Разные темы неизбежно требуют различных методов выражения. Это не подразумевает ни эволюции, ни прогресса, это вопрос следования идее, которую хочется выразить, и способа, которым он хочет выразить ее".
Художественные критики и историки обычно делят взрослую карьеру Пабло Пикассо в отдельные периоды, первый из которых длился с 1901 по 1904 год по названием «Синий период» из-за цвета, который доминировал почти во всех его картинах в эти годы. На рубеже 20-го века Пикассо переехал в Париж, который был культурным центром европейского искусства - чтобы открыть свою собственную студию. Одинокий, в глубокой депрессии из-за смерти своего близкого друга Карлоса Касагемаса, он рисовал картины бедности, одиночества и тоски, почти исключительно в оттенках синего и зеленого. Самые известные картины Пикассо из голубого периода "Голубая обнаженная", "Ла Ви" и "Старый гитарист", все трое были завершены в 1903 году.
Рассматривая работы Пикассо в его «Голубой период» писатель-криминалист Шарль Морис однажды спросил, «Неужели, это пугающе ранний ребенок не обречен посвятить себя освещению шедевра негативного чувства жизни, болезни, от которой, кажется, он страдает больше, чем кто-либо другой?"
К 1905 году Пикассо в значительной степени преодолел депрессию ранее подкосившую его, в художественном проявлении, это отразилось в улучшении общего настроения картин. Пикассо стал внедрять теплые цвета, в том числе бежевые, розовые и красные—это называют его "розовый период" (1904-06 гг.).Мало того, что он безумно влюблен в прекрасную модель, Фернанду Оливье, он достиг финансового успеха благодаря щедрости арт-дилера Амбруаза Воллара. Его самые известные картины этих лет: "Семейство комедиантов" (1905 г.), "Гертруда Стайн" (1905-06 гг.) и "Две обнаженные" (1906 г.).
Кубизм был художественным стилем, созданным Пабло Пикассо и его другом и соратником, Жоржем Браком. В кубистских картинах объекты раздроблены и собраны в абстрактной форме, выделяя их составные геометрические фигуры и изображая их из нескольких одновременных точек зрения, вызывающих физический эффект, похожий на коллаж. Одновременно разрушительный и созидательный Кубизм шокировал, потряс и очаровал мир искусства.
В 1907 году Пикассо написал картину, которая сегодня считается предтечей и вдохновителем Кубизма: "Авиньонские девицы". Холодное пугающее изображение пяти обнаженных проституток, искаженных острыми геометрическими углами и резкими пятнами голубого, зеленого и серого цветов. Работа была непохожа на то, что создавалось кем-либо раньше, и оказала глубокое влияние на направление искусства в XX веке.
"Это заставило меня чувствовать себя, как будто кто-то пил бензин и плюется огнем," сказал потрясеннный Брак, когда он впервые увидел эту картину. Брак быстро стал заинтригован Кубизмом, увидев новый стиль революционного движения. Французский писатель и критик Макс Джейкоб, хороший друг как Пикассо, так и художника Хуана Гриса, назвал кубизм «предвестником кометы» нового века, заявив: «Кубизм - это ... фотография ради его самого. Литературный Кубизм делает то же самое в литературе, используя реальность лишь как средство, а не как самоцель".
Картины раннего Кубизма Пикассо, известны, как его "аналитический Кубизм", это "Три женщины" (1907 г.), "Хлеб и фруктовая тарелка на столе" (1909 г.) и "Девушка с Мандолиной" (1910 г.). Его поздние кубистские произведения различают как "синтетический Кубизм", они созданы для того чтобы дальше отходить от художественной типичности того времени, создавая огромные коллажи из большого количества крошечных, отдельных фрагментов. Эти картины включают в себя "Натюрморт с креслом" (1912 г.), "Карточный игрок" (1913-14 гг.) и "Три музыканта" (1921 г.).
Работы Пикассо в период между 1918 и 1927 годами классифицируются как часть его "классического периода", краткое возвращение к реализму в карьере, в остальных периодах доминируют эксперименты. Вспышка Первой мировой войны положила начало следующим большим изменениям в искусстве Пикассо. Он становился все более мрачным и вновь озабоченным изображением реальности. Его наиболее интересные и важные работы этого периода включают "Три женщины у источника" (1921 г.), "Женщины, бегущие по берегу" (1922 г) и "Флейта Пана" (1923 г.).
С 1927 года, Пикассо стал втянутым в новое философское и культурное движение, известное как сюрреализм, художественное проявление которого является продуктом его собственного Кубизма. Самая известная сюрреалистическая картина Пикассо «Герника», считающаяся одной из величайших картин всех времен, была завершена в 1937 году во время гражданской войны в Испании. После того, как немецкие бомбардировщики, поддерживающие националистические силы Франсиско Франко, разбомбили баскский город Герника 26 апреля 1937 года, Пикассо, возмущенный бесчеловечностью войны, нарисовал это произведение искусства. В черном, белом и сером тонах этой картины есть сюрреалистическое завещание ужасов войны, на ней изображены минотавр и несколько человекоподобных фигур в разных состояниях тоски и ужаса. «Герника» остается одной из самых мощных антивоенных картин в истории.
В отличие от ослепительной сложности синтетического кубизма, более поздние картины Пикассо демонстрируют простое, детское изображение и грубую технику. Обращаясь к художественной достоверности этих более поздних работ, Пикассо однажды заметил, что в старости учился в школе школьников, «Когда я был таким старым, как эти дети, я мог рисовать как Рафаэль, но мне потребовалась целая жизнь, чтобы научиться рисовать как они.»
После Второй мировой войны Пикассо стал более откровенно политическим, присоединившись к Коммунистической партии. Он дважды был удостоен Международной ленинской премии мира, впервые в 1950 году и еще в 1961 году. К этому моменту в своей жизни он был также международной знаменитостью, самым известным в мире художником. В это же время папарацци фиксировали каждое его движение, мало кто обращал внимание на его искусство. Пикассо продолжал создавать работы и поддерживать амбициозный график в свои более поздние годы, суеверно полагая, что работа сохранит его жизнь. Пикассо создал свою позднюю работу «Автопортрет Лицо Смерти», используя карандаш за год до его смерти. Автобиографический субъект, нарисованный грубой техникой, появляется как нечто между человеком и обезьяной, с зеленым лицом и розовыми волосами. Тем не менее выражение в его глазах, захватывающее, отражающее жизненную мудрость, страх и неуверенность, - это безупречная работа мастера в разгар его сил.
Огромное полное имя Пабло Пикассо, которое чтит множество родственников и святых - Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Martyr Patricio Clito Ruíz y Picasso.
Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года в Малаге, Испания.
Мать Пабло Пикассо была Донья Мария Пикассо и Лопес. Его отец был дон Хосе Руис Бласко, художником и учителем искусств. Серьезный и преждевременно усталый от жизни ребенок, молодой Пикассо обладал парой пронзительных, бдительных черных глаз, которые, казалось,выражали его предназначение для величия. «Когда я был ребенком, мама сказала мне:« Если ты станешь солдатом, ты станешь генералом. Если ты станешь монахом, ты станешь папой », - вспоминал он позже. «Вместо этого я стал художником Пикассо».
Хотя он был довольно бедным учеником, Пикассо продемонстрировал потрясающий талант рисовать в очень юном возрасте. Согласно легенде, его первые слова были «piz, piz», его детская попытка сказать «lápiz», по испански карандаш. Отец Пикассо начал учить его рисовать, когда он был еще ребенком, и к тому времени, когда ему исполнилось 13 лет, его уровень мастерства превзошел отца. Вскоре Пикассо потерял желание заниматься какой-либо учебной работой, решив вместо этого проводить школьные дни со своим блокнотом. «За то, что я был плохим учеником, меня сажали в «кабалозу», камеру с побеленными стенами и скамейкой», - вспоминал он позже. «Мне там нравилось, потому что я брал с собой альбом для рисования и постоянно рисовал ... я мог бы остаться там навсегда, и рисовать, не останавливаясь».
В 1895 году, когда Пикассо было 14 лет, его семья переехала в Барселону, Испания, где он быстро поступил в престижную Школу изящных искусств. Хотя школа обычно принимала студентов на несколько лет старше его, вступительный экзамен Пикассо был настолько необычным, что ему было предоставлено исключение и его приняли в школу. Тем не менее, Пикассо раздражали строгие правила школы изобразительного искусства и формальности, он начал прогуливать уроки, чтобы бродить по улицам Барселоны, рисуя городские пейзажи и сцены городской жизни, которые он наблюдал.
В 1897 году 16- летний Пикассо переехал в Мадрид, чтобы поступить в Королевскую академию Сан-Фернандо. Однако он снова разочаровался в однобоком сосредоточении своей школы на классических предметах и методах. За это время он написал другу: «Они просто продолжают и продолжают рассказывать о том же старом: Веласкес для живописи, Микеланджело для скульптуры». Опять же, Пикассо начал пропускать уроки, чтобы бродить по городу и рисовать то, что он наблюдал: цыгане, нищие и проститутки, и так далее.
В 1899 году Пикассо вернулся в Барселону и попал в толпу художников и интеллектуалов, разместившихся в штаб-квартире в кафе под названием El Quatre Gats («The Four Cats»). Вдохновленный анархистами и радикалами, которых он встретил там, Пикассо решительно отрезал классические методы, которым он был обучен, и начал пожизненный процесс экспериментов и инноваций.
У пожизненного бабника Пикассо, были бесчисленные отношения с подругами, любовницами, музами и проститутками, а женился он всего два раза. В 1918 году он женился на балерине по имени Ольга Хохлова, супруги оставались вместе в течение девяти лет, расстались в 1927 году. У них был сын, Пауло. В 1961 году, в возрасте 79 лет, он женился на своей второй жене Жаклин Роке. Роке покончила жизнь самоубийством в 1986 году.
В то время как он был женат на Хохловой, он начал долгосрочные отношения с Мари-Терезой Уолтер. У них родилась дочь Майя. Уолтер покончиа жизнь самоубийством после смерти Пикассо. В перерывах между браками, в 1935 году на съемках фильма Жана Ренуара «Легенда де месье Ланге» (выпущен в 1936 году), Пикассо встретил художницу. Дорой Маар. Между ними завязалась дружба, которая была и романтической и профессиональной. Их отношения продолжались более десяти лет, все это время и после Маар боролась с депрессией. Они расстались в 1946 году, через три года после того, как Пикассо завел себе любовницу по имени Франсуаза Гилот, с которой у него было двое детей, сын Клод и дочь Палома. Они расстались в 1953 году. Гилот повторно вступила в брак с ученым Джонасом Салком, изобретателем вакцины против полиомиелита.
Всего у Пикассо было четверо детей: Пауло (Пол), Майя, Клод и Палома.
Пабло Пикассо умер 8 апреля 1973 года в возрасте 91 год в Мужене, Франция.
Алина 2018-06-03 14:05:00 биографии художников
Родился 19 июля 1834 года в Париже, Франция, Эдгар Дега учился в школе изящных искусств (бывшей Академии изящных искусств) в Париже и стал известен как выдающийся портретист, который соединял импрессионизм с традиционными подходами. Как живописцу и скульптору, Дега нравилось захватывать образы девушек и играть с необычными ракурсами и идеями вокруг центрирования. Его творчество оказало влияние на несколько крупных современных художников, включая Пабло Пикассо. Дега умер в Париже в 1917 году.
Эдгар Дега Илер-Жермен-Эдгар де Газа родился 19 июля 1834 г. в Париже, Франция. Его отец, Огюст, был банкиром, а мать, Селестина, была американкой из Нового Орлеана. Их семья была представителями среднего класса с благородными замашками. На протяжении многих лет, фамилию Дега пишут с приставкой "де газ"; предлог "де" предполагает, владение землёй, дворянское происхождение, которые они фактически не имели.
Будучи взрослым, Эдгар Дега возвращается к исходной орфографии. Дега родился в очень музыкальной семье: его мать была любителем оперного пения, а отец иногда устраивал концерты в своем доме. Дега учился в лицее Луи-Ле-Гран, средне-престижной и строгой мужской школе, где он получил классическое образование.
Дега также проявил недюжинные способности к рисованию и живописи, отец поощрял таланты ребёнка т.к. он был знаток искусства. В 1853 году, в возрасте 18 лет, он получил разрешение на "копирование" в Лувре в Париже. (В 19 веке, начинающие художники разработали свою технику, пытаясь повторить работы мастеров.) Он произвел несколько впечатляющих копий Рафаэля, а также, изучал творчество современных художников, таких как Энгр и Делакруа.
В 1855 году Дега поступил в школу изящных искусств (ранее Академия изящных искусств) в Париже. Однако, после первого года обучения, Дега оставил школу, чтобы провести три года путешествуя и учась живописи в Италии. Он рисует копии работ великих. итальянских живописцев эпохи Возрождения Микеланджело и да Винчи, развивает почтение к классической линейности, что стало отличительной чертой его даже современных картин.
После возвращения в Париж в 1859 году, Дега намеревался сделать себе имя как художник. Принимая традиционный подход, он писал большие портреты членов семьи и грандиозные исторические сцены, такие как "Дочь Jephtha," "Семирамида дома Вавилон" и "Сцена войны в Средние века". Дега представил эти работы на Салоне, группе французских художников и педагогов, которые председательствовали на публичных выставках. У них были очень жесткие рамки представления о красоте и соответствующей художественной форме, по этому к картинам Дега отнеслись с равнодушием.
В 1862 году Дега познакомился с товарищем, художником Мане в Лувре, и у пары быстро возникло дружеское соперничество. Дега вырос с долей презрения к Мане, с убеждением в том, что художникам нужно обратиться к более современным методам.
К 1868 году, Дега стал видным членом группы художников-авангардистов, вместе с Мане, Огюстом Ренуараром, Клодом Моне и Альфредом Сислеем, они часто собирались в кафе Guerbois, чтобы обсудить способы, с помощью которых художники смогли бы показать себя в современном мире. Во время их встреч в истории Франции были неспокойные времена. В июле 1870, началась Франко-Прусская Война, и крайне националистический Дега записался добровольцем во французскую Национальную гвардию. По завершении войны в 1871, печально известная Парижская Коммуна захватила контроль над столицей на протяжении двух страшных месяцев, до того как Адольф Тьер восстановил третью Республику в кровавой гражданской войне. Дега во многом избежал суматохи Парижской Коммуны, будучи в длительном путешествии, навещая родственников в Новом Орлеане.
Вернувшись в Париж в конце 1873 года Дега, вместе с Моне, Сислеем и некоторыми другими художниками, образовали Общество независимых художников, так как группа стремилась избежать показов только в Салоне. Группа художников, известная как Импрессионисты (хотя Дега предпочитает термин "реалист", чтобы описать свои собственные работы), 15 апреля 1874, провела первую выставку импрессионистов. Картины Дега выставлены как современные портреты современных женщин: модисток, прачек и балерин, расписаных с радикальных точек зрения.
В течение ближайших 12 лет, группа устроила восемь выставок импрессионистов, и Дега показывался на всех. Его самые известные картины в эти годы были "Танцевальный класс" (1871), "Урок танцев" (1874), "Женщина гладилка" (1873) и "Танцоры, практикующие в баре" (1877). В 1880, он также создал "Маленькую четырнадцатилетнюю танцовщицу" скульптуру так навязчиво запоминающуюся, что одни критики называли его гениальным, другие осудили его очень жестоко. В то время как картины Дега не являются аполитичными, они отражают изменения произошедшие во Франции в социально-экономической среде. Его картины изображают рост буржуазии, появление сервисной экономики и широкое вхождение женщин на рынок труда.
В 1886 году, на восьмой и последней выставке импрессионистов в Париже, Дега выставил 10 картин обнаженных женщин на различных этапах купания. Эти обнаженные картины были предметом обсуждения на выставке, а также источником противоречия, для некоторых людей женщины были "некрасивы", а другие хвалили за честность изображения. Дега продолжал писать, исследуя сотни обнаженных женщин. Он также продолжал писать танцоров, противопоставляя неловкое смирение танцовщиц за кулисами, с их величественной грацией в разгар представления.
В середине 1890-х, эпизод, известный как "дело Дрейфуса" резко разделил французское общество. В 1894 году Альфред Дрейфус, молодой еврейский капитан французской армии, был обвинен в государственной измене по обвинению в шпионаже. Хотя доказательства невиновности Дрейфуса появились в 1896 году, разгул антисемитизма не давал ему быть оправданным еще 10 лет. В стране произошел глубокий раскол между теми, кто поддерживает Дрейфуса и теми кто против него, Дега встал на сторону тех, чей антисемитизм ослепил невиновность Дрейфуса. Его позиция против Дрейфуса стоила ему многих друзей, которые были, как правило, более толерантны в художественных авангардных кругах.
Дега, живя в 20-м веке, рисовал меньше в эти годы, но продвигал свои работы без устали и стал заядлым коллекционером. Он никогда не был женат, хотя ему и не отказывали женщины, в том числе среди его близких друзей была американская художница Мэри Кассат. Эдгар Дега скончался в Париже 27 сентября 1917 года, в возрасте 83 лет.
В то время как Дега всегда был признан одним из величайших художников импрессионистов, его наследие смешивалось с работами других художников, в течение десятилетий после его смерти. Шовинистический подтекст присутствует в его сексуализированных женских портретах, а также его интенсивный антисемитизм служил отчуждению Дега в глазах некоторых современных критиков. Дега До сих пор, поражает красотой своих ранних работ и современным самосознанием неуловимости в его поздних портретах, он обеспечил себе прочное наследие. Одно остается неоспоримым о Дега: его картины были одними из самых кропотливо отполированых и изысканных картин в истории. Навязчивый и тщательный планировщик, Дега любил шутить, что он не спонтанный художник. "Если бы живопись не была сложной," однажды заметил он, "это было бы не так весело".
Алина 2018-06-02 14:05:00 биографии художников
Французский художник-постимпрессионист Поль Гоген был важной фигурой в движении Художников-Символистов начала 1900-х годов. Использование ярких цветов, преувеличенные пропорции тела и контрасты в его картинах отличали его от современников, помогая проложить путь к Примитивизации в искусстве. Гоген часто искал экзотические условия, и провел время, живя и творя на Таити.
Знаменитый французский художник Поль Гоген родился в Париже 7 июня 1848 года, создал свой собственный уникальный стиль живописи, так же, как он создал свой самобытный путь в жизни. Известен смелыми цветами, упрощенными формами и строгими линиями, формально как художник он нигде не обучался. Вместо этого Гоген следовал своему видению, отказываясь от своей семьи и художественных условностей.
Гоген родился в Париже, но его семья переехала в Перу, когда он был маленьким ребенком. Его отец журналист умер во время путешествия в Южную Америку. В конце концов, вернувшись во Францию, Гоген поступил на работу в торговый флот. Он также служил во французском флоте, а затем работал в качестве биржевого маклера. В 1873 году он женился на датчанке по имени Метте Гэд. У пары в конечном счете было пятеро детей.
Гоген начал заниматься живописью в свободное время, но быстро стал серьезно относится к своему хобби. Одна из его работ была принята в "Салоне 1876 года," важном арт-шоу в Париже. Примерно в это время, Гоген встретил художника Камиля Писсарро, и его работы привлекли интерес импрессионистов. Импрессионистами была группа революционных художников, которые бросили вызов традиционным методам и направлениям, и значительно отклонялись от французского арт-истеблишмента. Гоген был приглашен, к показу на четвертой выставке в 1879 году, и его работы появились среди произведений Писсарро, Эдгара Дега, Клода Моне и других великих художников.
В 1883 году Гоген уже перестал работать брокером, так что он мог полностью посвятить себя искусству. Он вскоре расстался с женой и детьми, и в конце концов отправился в Бретань, Франция. В 1888 году Гоген создал одну из своих самых известных картин, "Видение после проповеди". В ней ярко показан Библейский рассказ о борьбе Иакова с ангелом. В следующем году Гоген написал картину "Желтый Христос", с ярким изображением распятия Иисуса.
Гоген был одним из наиболее колоритных персонажей мира искусства. Он называл себя дикарем, и утверждал, что в нем течет кровь инков. Любитель алкоголя и веселья, в конце концов Гоген заболел сифилисом. Он дружил с художником Винсент Ван Гогом. В 1888 году Гоген и Ван Гог провели несколько недель вместе в доме Ван Гога в Арле, но они поссорились после того как Ван Гог во время ссоры вытащил бритву. В том же году Гоген нарисовал ныне известную картину маслом "Видение после проповеди".
В 1891 году Гоген стремился избежать Европейского общества, и он подумал, что Таити для него будет чем-то типа личной и творческой свободы. После переезда на Таити, Гоген был разочарован, обнаружив, что французские колониальные власти окупировали большую часть острова, поэтому он решил поселиться среди коренных народов, подальше от европейцев, живущих в столице.
Примерно в это же время Гоген заимствовал идеи у родной культуры, а также использовал свои собственные, для создания новых, инновационных работ. В «Ла Оране Марии» он превратил христианских деятелей Девы Марии и Иисуса в мать и ребенка Таити. Гоген сделал много других работ за это время, включая резную скульптуру под названием "Овири"—слово, которое произошло от Таитянского слова "дикарь", хотя, по словам Гогена, скульптура женской фигуры на самом деле была изображением богини. Известно, что пристрастие к молодым девушкам Гогена привело к отношениям с 13-летней Таитянкой, которая послужила моделью для нескольких его картин.
В 1893 г. Гоген вернулся во Францию, чтобы показать некоторые из своих Таитянских произведений. Реакция на его произведения была неоднозначной, и он не смог много продать. Критики и покупатели не знали, как воспринимать его примитивистский стиль. Вскоре Гоген вернулся во французскую Полинезию. Он продолжал писать в течение этого времени, создавая один из своих поздних шедевров -картину панно "Откуда мы пришли? Какие Мы? Куда мы идем?" - на которой был изображен жизненный цикл человека.
В 1901 году Гоген переехал на более отдаленные Маркизские острова. К этому времени его здоровье пошатнулось, он пережил несколько сердечных приступов, и продолжал страдать от сифилиса. 3 мая 1903 года, Гоген умер в своем изолированном островном доме в одиночестве. В то время у него почти не было денег, и только после его смерти искусство Гогена получило большое признание, в конечном счете повлияв на таких художников, как Пабло Пикассо и Анри Матисс.
